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Este projeto na Serra da Cantareira, nos arredores da cidade de São Paulo, foi desenhado para atender às variadas rotinas pessoais e profissionais de uma família, abrigando estúdio de música, ateliê, capela, dormitório e áreas de convivência. Para preservar todas as árvores do lote e adaptar-se ao terreno íngreme, o programa foi fracionado. Os espaços foram então distribuídos pela encosta, aproveitando a orientação norte para garantir luz natural ao longo de todo o dia.

Construídos em concreto aparente, os volumes independentes organizam as funções e definem o fluxo pelo lote. A separação entre as edificações faz com que a circulação ocorra ao ar livre, acompanhando a topografia original. Essa configuração integra a construção à Mata Atlântica nativa, transformando o deslocamento externo e o contato direto com a natureza em parte diária da experiência de habitar.

O ponto mais alto do lote abriga uma singela capela, de onde se avista o conjunto. Logo abaixo dela, há um ateliê artístico e um estúdio de gravação. Pontes, escadas, passarelas e mirantes conectam as partes, levando ao volume maior da área de convivência, com cozinha comunal e um quarto de visitas. O ensaio fotográfico segue por estes percursos. Como uma atividade de esconde-esconde entre árvores e planos de concreto, a fotografia nunca revela o todo; o entendimento vem a partir da soma das partes.

Mais detalhes no site do Terra e Tuma Arquitetos.

In English

Cantareira Modules, by Terra e Tuma Arquitetos

This project in the Serra da Cantareira, on the outskirts of the city of São Paulo, was designed to accommodate the varied personal and professional routines of a family, housing a music studio, an atelier, a chapel, a bedroom, and living areas. To preserve all the trees on the lot and adapt to the steep terrain, the program was fragmented. The spaces were then distributed across the slope, taking advantage of the northern orientation to ensure natural light throughout the day.

Built in exposed concrete, the independent volumes organize the functions and define the flow throughout the plot. The separation between the buildings ensures that circulation occurs outdoors, following the original topography. This configuration integrates the construction into the native Atlantic Rainforest, making external movement and direct contact with nature a daily part of the living experience.

The highest point of the lot houses a simple chapel, from which the entire complex can be seen. Just below it, there is an art studio and a recording studio. Bridges, stairs, walkways, and viewpoints connect the parts, leading to the largest volume of the living area, which features a communal kitchen and a guest bedroom. The photo essay follows these pathways. Like a game of hide-and-seek between trees and concrete planes, the photography never reveals the whole; understanding comes from the sum of the parts.

No final de 2025, no auge do verão campineiro, fotografei a Casa Figueira, projetada pelo escritório Andrade Morettin para o grupo Iguatemi. Concebida como uma estrutura permanente, a edificação evoluirá de espaço expositivo — local para reuniões, eventos e apresentação do projeto — para ser o equipamento cultural central de um novo bairro. Erguida nas margens de um parque urbano atualmente em implantação, a estrutura que se projeta na encosta ganhará expansões nos andares inferiores à medida que o projeto for avançando. Uma ponte articula os volumes.

Para as imagens aéreas, chamei o colega Manuel Sá para realizar os voos de drone. Essas imagens servem para complementar o ensaio principal, pois oferecem a “vista inversa” e contextualizam o projeto a partir da grande gleba em desenvolvimento.

Fotografias de drone, por Manuel Sá

In English

In late 2025, at the peak of summer in Campinas, Brazil, I photographed Casa Figueira, designed by Andrade Morettin Architects for Iguatemi. Conceived as a permanent structure, the building will evolve from an exhibition space—a venue for meetings, events, and project presentations—into the central cultural hub of a new neighborhood. Built along the edge of an urban park currently under development, the structure projecting from the hillside will be expanded on its lower levels as the project progresses. A bridge connects the volumes.

For the aerial images, I called on my colleague Manuel Sá to conduct the drone flights. These images serve to complement the main shoot, as they offer the ‘opposite view’ from the large plot of land currently under development.

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Este ensaio inédito de 2024 apresenta o ateliê projetado pelo escritório de arquitetura 23 Sul, na Vila Madalena. Concebido para um casal de artistas plásticos e desenhado para acolher colaboradores, curadores e pesquisadores, o projeto do ASA Ateliê Sandra Albano divide-se em dois volumes articulados por um pátio com jardim. A distribuição dos espaços privilegia as dinâmicas de trabalho e encontro: o pavimento térreo integra fluidamente as áreas de convivência e apoio, enquanto o andar superior — conectado por uma extensa passarela metálica — reserva-se à pesquisa e produção artística, isolando as práticas de pintura e escultura em volumes distintos.

Descrição do projeto, fornecido por 23 Sul Arquitetura:

O casal de artista plásticos decide erguer este ateliê para abrigar seus diferentes espaços produtivos e, ao mesmo tempo, funcionar como área de socialização.

Neste lote de 7x 28m foi proposto um arranjo estrutural que mistura concreto, aço e blocos estruturais para erguer dois volumes separados, vedados por blocos de concreto e grandes painéis de caixilharia, articulados ao redor de um pátio com jardim.

O programa parte da necessidade de delimitação de dois ambientes de produção artística: o primeiro destinado à pintura, no qual luz e amplidão são importantes; o segundo, voltado à manipulação de imagens e peças escultóricas, impõe um controle de luz e infraestrutura para erguer e manipular objetos.

Posicionados no andar superior de volumes distintos, dispostos de forma que haja isolamento e recolhimento, ao mesmo que tempo em que é possível diluir este distanciamento com conexões visuais. O percurso que entrelaça os volumes conduz à varanda, por meio de uma extensa passarela e metálica que conecta diretamente as salas dos dois artistas.

No andar inferior, são privilegiadas as continuidades. Entre sala de encontro (cozinha e refeitório), pátio-jardim e salas de apoio (oficina e produção gráfica), as atividades se espalham e se entrelaçam, reflexo do modo de funcionar do ateliê, onde artistas, jardineiros, colaboradores, cozinheiros, montadores, colecionadores e curadores, são convidados à mesa de reunião e refeição.

O mobiliário proposto é feito de materiais simples, elementais, para criar uma unidade entre os ambientes. Nas mesas de trabalho foram reutilizadas as vigas de peroba-rosa que serviam de estrutura do telhado da casa pré-existente que foi demolida. Nas mesas de refeição/reunião, as mesmas vigas repousam sobre uma estrutura metálica leve, que contrasta com o peso das madeiras, num desenho original e engenhoso.

Como desdobramento do ethos deste ateliê, as diversas atividades cotidianas se entrelaçam e, de forma similar, artistas, jardineiros, colaboradores, cozinheiros, arquitetos, montadores, colecionadores e curadores, que trabalham juntos, sentam-se à mesa todos os dias para partilhar suas experiências em almoços coletivos.

In English

Artist's Atelier in Vila Madalena, São Paulo, by 23 Sul Arquitetura.

This unpublished 2024 essay presents the studio designed by the architecture firm 23 Sul, in Vila Madalena. Conceived for a couple of visual artists and designed to welcome collaborators, curators, and researchers, the project is divided into two volumes articulated around a courtyard garden. The spatial layout prioritizes the dynamics of work and gathering: the ground floor fluidly integrates the social and support areas, while the upper floor—connected by an extensive metal walkway—is reserved for research and artistic production, isolating the painting and sculpture practices in distinct volumes.

Project description, by 23 Sul Arquitetura:

The couple of visual artists decided to build this studio to house their different productive spaces and, at the same time, function as a socialization area.

On this 7x28m lot, a structural arrangement mixing concrete, steel, and structural blocks was proposed to erect two separate volumes, enclosed by concrete blocks and large glazed panels, articulated around a courtyard garden.

The program stems from the need to delimit two artistic production environments: the first dedicated to painting, where light and spaciousness are important; the second, geared toward the manipulation of images and sculptural pieces, demands light control and infrastructure to lift and handle objects.

Positioned on the upper floor of distinct volumes, they are arranged to provide isolation and seclusion, while at the same time, it is possible to bridge this distance through visual connections. The path intertwining the volumes leads to the balcony via an extensive metal walkway that directly connects the two artists’ rooms.

On the lower floor, continuities are prioritized. Between the gathering room (kitchen and dining area), the courtyard garden, and the support rooms (workshop and graphic production), activities spread out and intertwine. This reflects the studio’s way of functioning, where artists, gardeners, collaborators, cooks, installers, collectors, and curators are invited to the meeting and dining table.

The proposed furniture is made of simple, elemental materials to create unity across the environments. For the work desks, the peroba-rosa wood beams that served as the roof structure of the pre-existing demolished house were reused. On the dining/meeting tables, these same beams rest on a lightweight metal structure that contrasts with the heavy wood in an original and ingenious design.

As an extension of this studio’s ethos, the various daily activities intertwine and, similarly, the artists, gardeners, collaborators, cooks, architects, installers, collectors, and curators who work together sit at the table every day to share their experiences during collective lunches.

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Estas fotos estão guardadas há quase dois anos e são inéditas. Em 2024, fui chamado pelo arquiteto americano Walter Cain para fotografar um conjunto de casas que havia construído para si e sua família em Governador Celso Ramos, cidade do litoral norte catarinense. Ao longo de cinco anos, Walter e seu parceiro Paulo conceberam um refúgio nas encostas da baía de Calheiros, cuja praia abriga barcos e barracas de pescadores locais.

Com o apoio da arquiteta Julia Kosciuk e de sua equipe, quatro casas foram erguidas no local: a principal, com mais de 700 metros quadrados, a dos caseiros, a de hóspedes e um pequeno contêiner que serviu de abrigo para os viajantes ao longo da obra.

Fotografei todos os espaços, com grande ênfase na casa principal, mas foram essas duas casas menores – o abrigo temporário e a casa de hóspedes – que despertaram meu interesse particular.

Com uma escala mais comedida, reduzida projeção de implantação e uma relação imediata com a topografia e vegetação do terreno, a casa de hóspedes mistura esses aspectos — muito correntes da arquitetura contemporânea brasileira — a modos de conceber volumes, planos, fechamentos, texturas, cromaticidade um pouco raros de se ver no Brasil.

Já o pequeno contêiner traz a temática 2000s – já fora de moda – do que fazer com paralelepípedos de aço decomissionados. Aqui, ganha contornos de motorhome modernista americano. Já as janelas lembram os dispositivos do arquiteto australiano Sean Godsell. É uma obra simpática.

In English

Guest houses in Governador Celso Ramos, by WaCa Design / Walter Cain.

These photos have been kept away for almost two years and are previously unpublished. In 2024, I was commissioned by American architect Walter Cain to photograph a set of houses he had built for himself and his family in Governador Celso Ramos, a city on the northern coast of Santa Catarina. Over the course of five years, Walter and his partner Paulo conceived a refuge on the slopes of Calheiros Bay, whose beach shelters the boats and huts of local fishermen.

With the support of local architect Julia Kosciuk and her team, four houses were erected on the site: the main house, measuring over 700 square meters; the caretaker’s house; the guest house; and a small container that served as a shelter for travelers during the construction.

I photographed all the spaces, with a strong emphasis on the main house, but it was these two smaller houses—the temporary shelter and the guest house—that particularly sparked my interest.

With a more restrained scale, a reduced footprint, and a direct relationship with the site’s topography and vegetation, the guest house blends these aspects—which are quite common in contemporary Brazilian architecture—with approaches to interior design involving planes, enclosures, textures, and chromatic choices that are somewhat rare to see in Brazil.

The small container, on the other hand, brings up the 2000s theme—now out of fashion—of what to do with decommissioned steel parallelepipeds. Here, it takes on the contours of an American modernist motorhome. The windows, meanwhile, bring to mind the devices of Australian architect Sean Godsell. It is quite a charming project.

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Colaboro com a arquiteta Marina Canhadas, titular do escritório entre escalas desde 2022, quando fotografei a Casa Saracura, reforma de um sobrado urbano em São Paulo. Depois disso, produzi para ela mais dois ensaios sobre intervenções em obras existentes (Casa na Vila Mariana e Padaria Mich Mich).

Esta residência em São José do Rio Pardo, município do nordeste paulista próximo a divisa com Minas Gerais, é a primeira casa concebida do zero pela Marina. Em uma área de chácaras, pastos e pomares, a casa aproxima-se de uma mata preservada que contorna o rio Pardo.

O projeto buscou elementos da arquitetura vernacular rural. A estrutura é de madeira roliça, apoiando uma cobertura de quatro águas composta por telhas cerâmicas. Cria-se no interior um luminoso pátio, que organiza a circulação e permite que os cômodos tenham vista para a mata. Piso cerâmico, paredes de tijolos e caixilhos de madeira vêm de fornecedores locais. Destacado, um núcleo de serviços abriga a caixa-d’água e infraestrutura técnica, criando entre este a casa um corredor externo que conecta a frente do terreno à vegetação dos fundos.

Mostrar esses espaços, relações e materialidades foi o foco do ensaio fotográfico. Para as imagens externas, a implacável luz de verão do interior obrigou-me a buscar registros muito cedo ou já no fim do dia, quando ela se comporta de maneira mais mansa — a imagem acima, por exemplo, é dos últimos raios de sol.

Por outro lado, para retratar os efeitos luminosos permitidos pelo pátio, era necessário fotografar ao meio do dia e lidar com intensidades e reflexos. Notem como o piso cerâmico reflete tons de terracota nas paredes, que deixam de ser puramente brancas e ganham contornos quentes. Somando-se às invasões do vermelho das portas, do verde da mata e do azul do céu, criam-se inúmeras situações cromáticas ao longo do dia.

In English

A rural house in São José do Rio Pardo, by entre escalas / Marina Canhadas.

I have been collaborating since 2022 with architect Marina Canhadas, head of entre escalas, when I photographed Casa Saracura—a renovation of an urban townhouse in São Paulo. Since then, I have produced two more photo essays focusing on interventions in existing buildings (Casa na Vila Mariana and Padaria Mich Mich).

This residence in São José do Rio Pardo, a town in northeastern São Paulo state near the border with Minas Gerais, is the first house Marina has designed from scratch. Set in an area of farms, pastures, and orchards, the house sits close to a preserved forest that surrounds the Pardo River.

The project draws on elements of rural vernacular architecture. The structure is made of round timber, supporting a hip roof with ceramic tiles. At the center, a bright courtyard organizes the circulation and allows the rooms to look out onto the forest. Ceramic flooring, brick walls, and wooden window frames were all sourced from local suppliers. A detached service core houses the water tank and technical infrastructure, creating an outdoor corridor between it and the main house that connects the front of the property to the vegetation in the back.

Capturing these spaces, relationships, and materialities was the focus of the photoshoot. For the exterior shots, the relentless summer light of the countryside forced me to seek images very early or late in the day, when the light is gentler—the image that opens this essay, for instance, captures the final rays of sun.

Conversely, to portray the light effects created by the courtyard, it was necessary to photograph at midday and contend with high intensities and reflections. Notice how the ceramic floor reflects terracotta tones onto the walls and ceiling, which lose their pure whiteness and take on warm hues. Combined with the splashes of red from the doors, green from the forest, and blue from the sky, a myriad of chromatic scenarios emerge throughout the day.

Casa eéfe40 em Elias Fausto, Brasil. 2025.

ARQUITETURA studio eca / Tiago Dias

Localizada em Elias Fausto, próxima a Itu e Campinas, esta casa possui um programa objetivo: três dormitórios e uma sala de estar, com cozinha integrada à área de refeições. Sua implantação urbana — fora de condomínios fechados — exigiu uma estratégia de isolamento em relação à rua. Assim, o projeto foi concebido em torno de um pátio interno, protegido por uma claraboia retrátil. Uma escada leva à cobertura, em um terraço que amplia a área externa da residência.

Agradeço ao arquiteto Tiago Dias pela paciência na realização deste ensaio. Pela primeira vez, precisei cancelar uma sessão fotográfica emergencialmente no próprio dia. Mesmo com toda a logística a postos e a distância da cidade, ele foi compreensivo em adiarmos para fotografá-la no momento ideal.

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No final de 2025, eu fotografei este apartamento em São Paulo para a Mariana Ferretti e o Estúdio PRG (de Pedro & Gustavo Ramos), sendo a primeira vez que trabalho com eles. A fotografia de interiores residenciais representa apenas uma pequena parte das minhas comissões, e por isso perguntei a eles — já com o ensaio em andamento — por que haviam escolhido trabalhar comigo.

Arquitetos com larga experiência em grandes escritórios de arquitetura, eles me disseram que buscavam uma abordagem fotográfica diferente, mais sóbria e atenta ao paisagismo, citando como referência meus ensaios para o Guilherme Pianca (como os apartamentos São Nicolau e Barão de Tatuí, e a casa Polonia) e para o Sabiá (Copan D). Confesso que isso me tranquilizou: ao invés de precisar encaixar o ensaio num formato e estética específicos das mídias de interiores, senti-me livre para conduzi-lo com o meu próprio olhar.

In English

AK Apartment in São Paulo, by Mariana Ferretti & Estúdio PRG

In late 2025, I photographed this apartment in São Paulo for Mariana Ferretti and Estúdio PRG (led by Pedro & Gustavo Ramos)—marking our first collaboration. Residential interior photography represents only a small fraction of my commissions, so—with the shoot already underway—I asked them why they had chosen to work with me.

As architects with extensive experience in major firms, they told me they were looking for a different, more sober approach, citing my work for Guilherme Pianca (such as São Nicolau e Barão de Tatuí apartments, and the Polonia house) and Sabiá (Copan D) as references. I confess this put me at ease: instead of trying to fit the shoot into the specific formats and aesthetics typically requested by interior design media, I felt free to photograph with my own perspective.

Minha newsletter chegou ao seu primeiro ano de vida, sã e salva. Este é um canal de comunicação do qual gosto muito e que pretendo nutrir mais. São mais de 1.600 assinantes, com muitos chegando aqui através de caminhos diferentes daqueles que buscam fotografias e/ou arquitetura.

Porém, todo o meu ímpeto e motivação perderam força subitamente em julho de 2025. Uma questão pessoal me tirou dos trilhos, e o segundo semestre resumiu-se a me manter minimamente operacional.

Diminuí o ritmo de ensaios fotográficos e, consequentemente, o número de postagens aqui. Sossego, o vídeo publicado no último e-mail, foi o botão de reset. Feito para ser visto numa tela grande, com o som alto. E desaparecer na imagem:

Também observei algo incômodo: meu afastamento do Instagram impactou diretamente os pedidos de orçamentos e novos ensaios. Pode parecer bobagem, mas a presença lá ainda é fundamental para ser lembrado profissionalmente. Por isso, precisarei repensar o movimento de sair das redes sociais (ironicamente, queria reduzi-las e talvez acabe tendo que gerenciar ainda mais canais). Mas este espaço continua: tenho mais de dez projetos fotografados aguardando o momento de publicação.

No apagar das luzes do ano passado, me coloquei a refazer completamente o site pedrokok.com. É algo que faço uma vez por década, agora trocando uma tecnologia obsoleta (Wordpress lento rodando em servidor custoso) por algo completamente novo (site estático e veloz em React, praticamente gratuito). São mais de 200 projetos fotografados ou filmados ao longo da minha carreira, alguns até então inéditos, mas muita coisa ficou de fora. Agora começa o trabalho manual de recuperar e publicar ensaios antigos.

Essa migração tecnológica, que normalmente levaria semanas para realizar, ficou pronta em um dia graças aos modelos de AI para criar código-fonte. Os GPTs, para além de interface de conversinhas, permitem que artistas, designers, arquitetos(-fotógrafos) sejam prototipistas-programadores. Uma torrente de novas ideias e projetos surgiram, como se toda aquela energia represada do ano passado fosse subitamente liberada. O novo site foi só uma pequena parte disso. Compartilharei os novos projetos com vocês ao longo do ano.

Obrigado por continuarem aqui! Feliz 2026.

Pedro

In English

My newsletter has reached its first anniversary, safe and sound. This is a communication channel I deeply appreciate and plan to nurture further. However, in July 2025, my momentum and motivation suddenly hit a wall. A personal matter derailed me, and the second half of the year became strictly about staying afloat.

I slowed down the pace of photo shoots and, consequently, the number of posts here. Sossego, the video published in the last email, was the reset button. It was made to be watched on a big screen, with the volume up. To lose oneself in the image:

I also noticed something unsettling: stepping away from Instagram directly impacted requests for commissions and new shoots.It might seem trivial, but being present there is still essential for staying on people’s radar professionally. That’s why I need to rethink my move away from social media (ironically, I wanted to cut back, yet I might end up having to manage even more social channels). But this space remains: I have over 10 photographed projects awaiting publication.

At the very end of last year, I set out to completely overhaul the website pedrokok.com. I do this every ten years; this time, I’m swapping out obsolete tech (WordPress on a slow, expensive server) for something entirely new (a blazing fast static site in React, costing next to nothing). There are over 200 projects photographed or filmed throughout my career (a lot was left out, and now the manual work of recovering old shoots begins).

This migration, which would typically take weeks, was completed in a single day thanks to AI coding models. GPTs (far beyond chit-chat) allow artists, designers, and architect(-photographers) to become prototyper-programmers. A flood of ideas and projects emerged, as if all the energy bottled up last year was suddenly unleashed. I’ll be sharing these new projects with you throughout the year.

Thank you for sticking around! Happy 2026.

Pedro

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Como parte da 14ª Bienal Internacional de Arquitetura de São Paulo, a instalação “Oca Ôca”, do escritório de arquitetura messina | rivas, propôs transformar o Pavilhão Lucas Nogueira Garcez no Panteão romano. Com um simples jogo de projeções, três canhões de luz simulam uma abertura no topo do edifício de Oscar Niemeyer. Essa abertura dialoga com as outras 34 janelas que circundam o pavilhão.

Fotografamos ao término da exposição, sendo a última obra a ser desmontada. Com isso, todas as vistas estavam desimpedidas e pudemos ajustar as aberturas e os focos dos projetores para simular a espessura da casca de concreto do pavilhão, variando conforme a perspectiva do observador.

In English

As part of the 14th International Architecture Biennial of São Paulo, the installation “Oca Ôca” by the architecture firm messina | rivas proposed transforming the Lucas Nogueira Garcez Pavilion (also known as Oca) into the Roman Pantheon. With a simple play of projections, three light cannons simulate an opening at the top of Oscar Niemeyer’s building. This void interacts with the other 34 windows that circle the pavilion.

We photographed the installation at the end of the exhibition, as it was the last work to be dismantled. As such, all the views were unobstructed, and we were able to adjust the openings and the projectors’ focal points to simulate the thickness of the pavilion’s concrete shell, varying according to the observer’s perspective.

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Profissionalmente, a arquitetura em sua escala urbana e dimensão social é um dos assuntos que tenho mais interesse em fotografar. Não somente pela relevância e urgência dessas intervenções para as cidades brasileiras, mas também pelas possibilidades fotográficas. Costumam ser espaços de pouco ou nenhum controle da minha parte, em que a imagem acontece a partir da intuição, da sorte e da paciência. Sempre faço a analogia com a pescaria: antes de lançar a linha e o anzol, é preciso saber em que curva do rio (ou ponto no oceano) se posicionar. E aguardar. E aguardar.

Assim transcorreu este ensaio ao longo de alguns dias. As conversas com Luiz Sakata e Augusto Longarine, do Tempo Arquitetos, me orientaram quanto aos aspectos mais importantes da intervenção: a criação de uma conexão direta entre o Santuário São Judas e o Instituto Meninos de São Judas; o desenho das novas topografias em três platôs; e a qualificação paisagística e do mobiliário urbano. Esses assuntos passam a ser inscritos na vida cotidiana da cidade: nos devotos que circulam entre as instituições, pais e alunos indo para a escola, trabalhadores acessando a estação de metrô e moradores buscando ali um refúgio na metrópole.

Um conjunto de fotografias analógicas:

Texto fornecido pelos arquitetos:

O novo Boulevard São Judas Tadeu, implantado em trecho linear de 106,5 metros da Alameda dos Guaiós, em São Paulo, Brasil, nasce do interesse coletivo de requalificação dos espaços públicos estratégicos entre o Santuário São Judas e o Instituto Meninos de São Judas – relevantes equipamentos de atração de público da zona sul da capital. Historicamente, tal trecho da Alameda constituiu-se como fachada de fundos das instituições religiosas lindeiras, com funcionalidade restritamente logística e uso intensivo como estacionamento. Portanto, pretendeu-se, como foco de requalificação desta área, a conexão do Santuário São Judas Tadeu à Capela São José, através da criação de espaços de transição e permanência de pedestres, dotados de acessibilidade universal, novos canteiros vegetados e mobiliário urbano. O desenho do novo Boulevard parte da manipulação da topografia original da Alameda dos Guaiós para a criação de três platôs programáticos – superior, intermediário e inferior – com previsão de arquibancadas, espaços para feiras, esplanada para missas campais, jardins de chuva para recomposição do microclima local, e a conexão com a galeria existente de serviços -loja, café, sanitários – que conecta a Avenida Jabaquara ao novo Boulevard.

In English

Professionally, architecture at its urban scale and social dimension is one of the subjects I’m most interested in photographing. Not only because of the relevance and urgency of these interventions for Brazilian cities, but also for their photographic possibilities. These are usually spaces over which I have little or no control, where the image emerges through intuition, luck, and patience. I often draw an analogy with fishing: before casting the line and the hook, it’s essential to know which bend of the river (or spot in the ocean) to position yourself in. And wait. And wait.

That’s how this photo essay unfolded over the course of several days. Conversations with Luiz Sakata and Augusto Longarine, from Tempo Arquitetos, guided me through the most important aspects of the intervention: creating a direct connection between the São Judas Sanctuary and the Meninos de São Judas Institute; designing the new topographies across three terraces; and establishing the new greenery and urban furniture. These elements become inscribed into the city’s everyday life: in the devotees moving between institutions, parents and students on their way to school, workers heading to the subway station, and residents finding there a refuge within the metropolis.

Text provided by the architects:

The new Boulevard São Judas Tadeu, built along a 106.5-meter linear stretch of Alameda dos Guaiós in São Paulo, Brazil, arises from a collective interest in revitalizing the strategic public spaces between the São Judas Sanctuary and the Meninos de São Judas Institute—important institutions that attract visitors to the city’s southern zone.

Historically, this section of the Alameda had functioned as the “rear façade” of the adjacent religious institutions, serving mainly logistical purposes and being used as a parking area. Therefore, the main goal of the area’s redevelopment was to create a direct connection between the São Judas Tadeu Sanctuary and the São José Chapel through the establishment of pedestrian transition and gathering spaces featuring universal accessibility, new greenery, and urban furniture.

The design of the new boulevard is based on reshaping the original topography of Alameda dos Guaiós to create three programmatic terraces—upper, intermediate, and lower—planned to include bleachers, spaces for street fairs and markets, an esplanade for outdoor masses, rain gardens to restore the local microclimate, and a connection to the existing service gallery—shop, café, and restrooms—which links Avenida Jabaquara to the new boulevard.

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Espaço Educativo da exposição ‘Um rio não existe sozinho’, de Estúdio Flume. Parque Zoobotânico do Museu Emílio Goeldi em Belém do Pará, Brasil. 

ARQUITETURA Estúdio Flume — Noelia Monteiro & Christian Teshirogi
ORGANIZAÇÃO Instituto Tomie Ohtake, com curadoria de Sabrina Fontenele & Vânia Leal

Este ensaio é resultado dos novos processos que tenho incorporado à minha prática fotográfica, até então testados esporadicamente ao longo dos últimos anos. Apresento três conjuntos de imagens: fotografias analógicas preto-e-branco dispersas e exploratórias, utilizadas como ferramenta de investigação do objeto-espaço; um ensaio fotográfico consolidado, convencional na forma como atende às demandas de representação e apresentação de um projeto de arquitetura; e um curta-metragem, concebido como forma de expandir o tempo e abarcar os sons de um parque zoobotânico no centro de Belém. Este vídeo remete aos meus primeiros estudos, realizados no final dos anos 2000.

Visualmente, os três conjuntos não são distantes entre si — amarram-se um ao outro, as vezes em repetição e mimese. Uma imagem continua na sua análoga, e assim por diante. Provavelmente serão exibidos de forma isolada em diferentes contextos, mas aqui posso agrupá-los (aproveitando as virtudes do formato desta newsletter).

Descrição do projeto, fornecida pelos autores:

O pavilhão educativo integra a exposição Um rio não existe sozinho, projeto do Instituto Tomie Ohtake, com curadoria de Sabrina Fontenele e Vânia Leal, criado para dialogar com os temas urgentes trazidos pela 30ª Conferência da ONU sobre Mudanças Climáticas (COP 30). A proposta reafirma a vocação do Estúdio Flume em compreender a arquitetura como ferramenta de impacto social e ambiental. A estrutura propõe um gesto de leveza e integração com a paisagem do Parque Zoobotânico, traduzindo princípios de sustentabilidade e escuta territorial em uma experiência arquitetônica e pedagógica.

Com cerca de 70 m² de área, o pavilhão é formado por módulos independentes e adaptáveis que se articulam em diferentes composições, criando áreas cobertas e descobertas destinadas a atividades educativas e de convivência. A modularidade garante flexibilidade, montagem simplificada e baixo impacto ambiental, permitindo futuras expansões ou reconfigurações conforme a dinâmica de uso

Entre seus destaques estão o uso de técnicas e materiais locais, como madeira certificada e palha de ubuçu, que asseguram conforto térmico e integração visual com o entorno. A estrutura em madeira laminada colada foi dimensionada para otimizar recursos e reduzir deslocamentos, com pilares, vigas e terças leves e precisos. A cobertura permeável favorece a ventilação natural e o diálogo entre interior e exterior, explorando zonas de transição que ampliam a convivência e a sensação de pertencimento.

Mais do que um abrigo, o pavilhão foi concebido como um espaço de encontro entre visitantes, educadores e comunidade. Durante a exposição, abrigará a programação educativa e atividades colaborativas, mas também se propõe como protótipo de arquitetura sustentável para contextos amazônicos — estruturas simples, replicáveis e de baixo impacto, voltadas a lugares onde o acesso é difícil e cada gesto construtivo precisa ter sentido.

In English

This essay is the result of new processes I have been incorporating into my photographic practice, which until now had been tested only sporadically over the past few years. I present three sets of images: scattered and exploratory analog photographs, used as a tool for investigating the object-space; a consolidated photographic essay, conventional in the way it meets the demands of representation and presentation of an architectural project; and a short film, conceived as a way to expand time and encompass the sounds of a zoobotanical park in the center of Belém. This video recalls my early studies, carried out in the late 2000s.

Visually, the three sets are not far apart — they intertwine with one another, at times through repetition and mimesis. One image continues into its analog counterpart, and so on. They will probably be shown separately in different contexts, but here I can group them together (taking advantage of the strengths of this newsletter).

Project description, provided by the authors:

The educational pavilion is part of the exhibition A River Does Not Exist Alone, a project by Instituto Tomie Ohtake, curated by Sabrina Fontenele and Vânia Leal, created to engage with the urgent themes brought forth by the 30th United Nations Climate Change Conference (COP 30). The proposal reaffirms Estúdio Flume’s commitment to understanding architecture as a tool for social and environmental impact. The structure proposes a gesture of lightness and integration with the landscape of the Zoobotanical Park, translating principles of sustainability and territorial listening into an architectural and pedagogical experience.

Covering approximately 70 m², the pavilion is composed of independent and adaptable modules that can be arranged in different configurations, creating covered and open areas designed for educational and communal activities. The modularity ensures flexibility, simplified assembly, and low environmental impact, allowing for future expansions or reconfigurations according to patterns of use.

Among its highlights are the use of local techniques and materials, such as certified wood and ubuçu palm thatch, which ensure thermal comfort and visual harmony with the surroundings. The glued laminated timber structure was designed to optimize resources and minimize transport, with light and precise columns, beams, and purlins. The permeable roof promotes natural ventilation and dialogue between interior and exterior, exploring transitional zones that enhance social interaction and a sense of belonging.

More than a shelter, the pavilion was conceived as a space for encounters among visitors, educators, and the community. During the exhibition, it will host educational programming and collaborative activities, while also serving as a prototype of sustainable architecture for Amazonian contexts — simple, replicable, and low-impact structures designed for places where access is difficult and every constructive gesture must be meaningful.

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Na sequência da minha curiosa visita a Balneário Camboriú, segui para Florianópolis para fotografar o Centro Cultural Veras. Inaugurado em 2022, o Veras é uma associação sem fins lucrativos fundada por Josué Mattos e Elisabete Araújo, concebida como uma plataforma cultural, ambiental e artística na franja urbana do bairro Córrego Grande.

Florianópolis é uma cidade espalhada, espraiada e marcada por múltiplas centralidades. O edifício foi projetado para abrigar um programa híbrido, no qual diversas atividades acontecem de forma simultânea e integrada. Ali convivem loja, feira de produtos orgânicos, ateliês abertos, restaurante, exposições, práticas de yoga e oficinas de arte. Assim, a arquitetura e o conjunto de atividades do Centro atuam tanto em uma escala local quanto metropolitana.

Com 1.100 m² distribuídos verticalmente em um terreno compacto, de aproximadamente 15 x 30 metros, o edifício apresenta uma materialidade que combina concreto, tijolo aparente e aberturas cuidadosamente planejadas, equilibrando proteção contra o sol poente e integração com a paisagem verde ao redor. Esses elementos foram o foco do ensaio fotográfico.

Centro Cultural Veras em Florianópolis, Brasil

ARQUITETURA Terra e Tuma Arquitetos
PAISAGISMO Gabriella Ornaghi e Bianca Vasone Arquitetura da Paisagem

As obras de arte que aparecem neste ensaio são dos artistas Diego de los Campos, Goluka Stoffel e Regina Silveira.

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Veras Cultural Center in Florianópolis, Brasil

Following my curious stay in Balneário Camboriú, I headed to Florianópolis to photograph the Veras Cultural Center. Inaugurated in 2022, Veras is a non-profit association founded by Josué Mattos and Elisabete Araújo, conceived as a cultural, environmental, and artistic platform on the urban fringe of the Córrego Grande neighborhood.

Florianópolis is a sprawling city, marked by multiple centers. The building was designed to house a hybrid program, in which diverse activities take place simultaneously and in an integrated way. There, one finds a store, an organic products market, open studios, a restaurant, exhibitions, yoga classes, and art workshops. In this way, the architecture and the program of activities operate both on a local and metropolitan scale.

With 1,100 m² distributed vertically on a compact plot of approximately 15 x 30 meters, the building features a materiality that combines concrete, exposed brick, and carefully planned openings, balancing protection from the setting sun with integration into the surrounding green landscape. These elements became the focus of the photographic essay.

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Meu trabalho ganha significado ao acompanhar, ao longo dos anos, a trajetória dos arquitetos com quem colaboro. Costumo dizer que o objetivo principal de um ensaio fotográfico é integrar-se ao acervo profissional do escritório, registrando a obra em um momento específico da sua trajetória. As publicações e divulgações surgem como consequência natural desse processo, e não como finalidade.

A primeira vez que trabalhei com Rodrigo Maçonilio e André di Gregório foi em 2014, quando formavam o Estúdio BRA. Fotografei a Casa Sorocaba e alguns anos depois, a Casa Cauman. Agora retomo a parceria com a Casa Kûara, assinada pelo seus respectivos gabinetes de arquitetura: Maçonilio Arquitetura e Estúdio Cedo.

Percebo que a década que separa os projetos trouxe um afinamento de linguagem tanto para a arquitetura quanto para a fotografia. Lá atrás, buscava uma imagem vistosa, carregada de cor e marcada pela correção geométrica absoluta. Esses princípios foram se transformando ao longo do tempo, à medida que eu observava, nos projetos, sutilezas que demandavam outra abordagem. Hoje, essa ideia de fotografia como ato e método me atrai mais do que aquela que a reduz à imposição e ao cerceamento de um determinado estilo.

Casa Kûara em São Paulo, Brasil. 2025.

ARQUITETURA Maçonilio Arquitetura + Estúdio Cedo
ENGENHARIA Virtù Engenharia

In English

Kûara House by Maçonilio Arquitetura + Estúdio Cedo

My work finds its meaning in following, over the years, the evolving journey of the architects I collaborate with. I often say that the main purpose of a photographic essay is to become part of the office’s professional archive, recording the work at a specific moment in its trajectory. Publications arise as a natural consequence of this process, not as an end in themselves.

The first time I worked with Rodrigo Maçonilio and André di Gregório was in 2014, when they formed Estúdio BRA. I photographed Casa Sorocaba and, a few years later, Casa Cauman. Now, I resume the partnership with Casa Kûara, which they sign under their respective architecture practices: Maçonilio Arquitetura and Estúdio Cedo.

I realize that the decade separating these projects has brought a refinement of language, both in architecture and in photography. Back then, I sought striking images, rich in color and defined by absolute geometric correction. Over time, these principles evolved as I began to notice subtleties in the projects that called for a different approach. Today, the idea of photography as act and method appeals to me far more than one that reduces it to the imposition and confinement of a particular style.

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Fui convidado pela artista Ana Maria Tavares para documentar a exposição Paisagens Perdidas para Lina Bo Bardi, cujas obras dialogam com a pesquisa arquitetônica de Lina e com o próprio espaço da Casa de Vidro. A mostra vai até sábado e é uma ótima oportunidade para conhecer ou revisitar a Casa.

Foram dedicados dois dias a esse processo: o primeiro de reconhecimento do local e, em seguida, um dia inteiro voltado às fotografias. Aguardei que Ana Maria posicionasse todas as obras, maquetes, vídeos em tela e projeções, além de organizar os objetos do acervo da casa e as cortinas que modulam a sala, a luz e a paisagem.

As fotografias buscaram capturar os reflexos, sombras e invasões de cor dos materiais da casa e da paisagem que a envolve e como, em contrapartida, as obras desenham e marcam essa arquitetura. É uma abordagem muito diferente daquela de documentar uma obra de arte em uma galeria ou cubo branco, como objeto isolado. Essa “confusão”, em que as obras perdem a clareza de leitura, transforma o caminhar do visitante — e a posição da câmera fotográfica — em um instrumento de descoberta.

ARTISTA Ana Maria Tavares
CURADORIA Ana Carolina Ralston
PARCERIA INSTITUCIONAL Instituto Bardi

Visitação até 13 de setembro, mediante agendamento.
Casa de Vidro: Rua General Almério de Moura, 200, Morumbi — São Paulo/SP

In English

I was invited by the artist Ana Maria Tavares to document the exhibition Lost Landscapes for Lina Bo Bardi, whose works engage in dialogue with Lina’s architectural research and with the very space of the Glass House. The exhibition runs until Saturday and is a great opportunity to discover or revisit the House.

Two days were dedicated to this process: the first for familiarization with the site and, afterwards, a full day devoted to photography. I waited for Ana Maria to arrange all the works, models, videos on screens and projections, as well as to organize the objects from the house’s collection and the curtains that modulate the room, the light, and the landscape.

The photographs sought to capture the reflections, shadows, and intrusions of color from the house’s materials and the surrounding landscape, and how, in return, the works shape and mark this architecture. It is a very different approach from documenting a work of art in a gallery or white cube, as an isolated object. This “confusion,” in which the works lose their clarity of reading, turns the visitor’s viewpoint — and the position of the photographic camera — into an instrument of discovery.

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Edifício Botânico 990 em Balneário Camboriú, Santa Catarina, Brasil.

INCORPORAÇÃO Neuhaus
ARQUITETURA Terra e Tuma Arquitetos
PAISAGISMO Gabriella Ornaghi e Bianca Vasoni 
FOTOGRAFIAS DE DRONE João Pedro Varela

“Fui para Balneário Camboriú fotografar um prédio.” Esta frase, dita algumas vezes nas últimas semanas, precisava ser rapidamente emendada com: “Mas não é bem o que você está pensando…”. Passei três dias na Dubai brasileira documentando o edifício Botânico 990, da incorporadora Neuhaus, com projeto do escritório Terra e Tuma Arquitetos. Com vinte apartamentos dispostos em uma torre de seis andares, o Botânico contrapõe-se à paisagem da beira-mar emparedada no horizonte.

Localiza-se em uma via importante para deslocamentos rotineiros, em um bairro com comércio e serviços locais. O térreo recebeu quatro lojas, levemente afastadas da rua por um terraço ajardinado. O acesso de pedestres se dá por um discreto hall envidraçado. O volume do embasamento é ocupado pela garagem, pela piscina e por áreas de convivência. Acima dele, são quatro andares com cinco apartamentos cada. As unidades têm cerca de 65 m², medida do que é confortavelmente habitável. Essa tipologia resulta das regras e limites impostos pelo plano diretor de Balneário Camboriú para a rua.

As fotografias buscaram mostrar essa realidade de contrastes e generosidades. Há diversas vistas da rua, com a vitalidade da cidade à mostra — crianças indo para a escola, ciclistas e trabalhadores circulando, as vezes um vizinho muito curioso. O drone ficou a cargo do fotógrafo João Pedro Varela, e eu realizei a orientação geral de voo, a edição e o tratamento das imagens. Essas fotografias são importantes para compreender a escala e a situação urbana.

Numa terra de prédios “Pininfarina”, “Senna” e “Neymar”, este é, sem dúvida, um dos edifícios mais interessantes. Não apenas para a região, mas também para informar outras cidades do país sobre quais são as justas medidas da ocupação urbana contemporânea, em termos habitacionais e urbanísticos. Curiosamente, este é o arquétipo do edifício almejado pelo plano diretor de São Paulo de 2014, mas que ficou longe de se materializar e acabou se desvirtuando numa infinitude de poleiros de microestúdios.

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Botânico building in Balneário Camboriú, by Terra e Tuma Arquitetos

“I went to Balneário Camboriú to photograph a building.” This sentence, repeated a few times in recent weeks, often needed to be quickly amended with: “But it’s not quite what you’re thinking…”

Balneário Camboriú is a coastal city in southern Brazil, in the state of Santa Catarina. Despite its modest size, it is famous nationwide for its luxury real estate market and for having one of the tallest and densest skylines in Latin America. Nicknamed “the Brazilian Dubai,” it has become synonymous with ultra-high-rise living and a dramatic beachfront walled in by towers.

It was in this context that I spent three days documenting the Botânico building, developed by Neuhaus and designed by the architectural firm Terra and Tuma. With twenty apartments arranged in a six-story tower, the Botânico stands in deliberate contrast to the surrounding landscape of seaside skyscrapers compressed against the horizon.

It is located on an important thoroughfare for daily commuting, in a neighborhood with local shops and services. The ground floor houses four retail units, slightly set back from the street by a landscaped terrace. Pedestrian access is through a discreet glass-lined lobby. The base volume accommodates the garage, a swimming pool, and shared leisure areas. Above this base, four floors each contain five apartments. The units measure about 65 square meters — a size that can be considered comfortably habitable. This building typology reflects the rules and restrictions imposed by Balneário Camboriú’s zoning plan for this street.

The photographs sought to capture this reality of contrasts and generosity. Many shots look onto the street, showcasing the city’s vitality — children heading to school, cyclists and workers passing by, even a very curious neighbor. Drone work was carried out by photographer João Pedro Varela, while I handled flight coordination, editing, and post-production. These images are essential to understanding both scale and urban context.

In a city full of towers named after “Pininfarina,” “Senna,” and “Neymar,” this is without doubt one of the most interesting buildings. Not only for the region itself, but also as a reference for other Brazilian cities in defining the right balance for contemporary urban occupation, both residential and urbanistic. Curiously, it embodies the very archetype envisioned by São Paulo’s 2014 master plan — one that unfortunately failed to materialize and ended up devolving into an endless spread of micro-studio buildings.

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ARQUITETURA UNA MUNIZVIEGAS
PAISAGISMO Gabriella Ornaghi e Bianca Vasoni
ESTRUTURA DE MADEIRA ITA Construtura
FOTOGRAFIAS DE DRONE Rodrigo Fonseca

2025

Depois de oito anos, eu volto a colaborar com a Cristiane Muniz e o Fernando Viegas, titulares do UNA MUNIZVIEGAS, escritório de arquitetura que tenho imensa admiração. Realizei o ensaio em abril de 2025, em companhia do fotógrafo Rodrigo Fonseca, que ficou a cargo da operação do drone.

O projeto da Casa Itupeva tem uma particularidade que deu a dinâmica do ensaio. Da rua ela aparece de forma discreta, pavilhonar e isolada, com um volume em estrutura de madeira e fechamento metálico que abriga as áreas sociais, cozinha e um dormitório. No entanto, este volume oculta um amplo andar inferior “encaixado" na topografia. Este segundo núcleo, que abriga dormitórios, áreas de serviço e a própria piscina, era quase invisível à minha câmera, mas se revelavam a partir do vôo do drone.

Houve também atenção ao registro do paisagismo, a cargo de Gabriella Ornaghi e Bianca Vasoni, que além do plantio vegetal cuidaram do posicionamento e movimento de enormes pedras que existiam no local.

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Itupeva House by UNA MUNIZVIEGAS

After eight years, I once again had the pleasure of collaborating with Cristiane Muniz and Fernando Viegas, the principals of UNA MUNIZVIEGAS—an architecture practice I hold in the highest regard. In April 2025, I photographed their Casa Itupeva project, joined by photographer Rodrigo Fonseca, who handled drone operations.

The house has a unique quality that shaped the entire shoot. From the street, it presents itself with discretion; pavilion-like, self-contained, and seemingly isolated, with a timber-structure volume clad in metal that houses the social areas, kitchen, and a bedroom. However, this volume conceals a spacious lower floor seamlessly embedded into the natural slope. This second core, containing additional bedrooms, service areas, and the pool itself, was almost invisible to my camera, but revealed itself through the drone’s flight.

Special attention was also given to documenting the landscaping, designed by Gabriella Ornaghi and Bianca Vasoni, who, in addition to the plantings, took care of the placement and movement of the enormous stones that were already on the site.

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Residência Três Meninas em Porto Feliz, Brasil.

PAISAGISMO Rodrigo Oliveira Paisagismo
ARQUITETURA Jacobsen Arquitetura 

2025

Continuo a série de colaborações com o escritório de paisagismo de Rodrigo Oliveira, que comissionou este ensaio. Dedicar-se à fotografia da paisagem tem nuances um pouco diferentes daquelas em que a arquitetura é o foco. Há uma atenção maior ao volume — massas, profundidade, grandezas e pequenezas — do que aos planos e recortes oriundos da geometria arquitetônica.

Esta casa, em particular, apresentava um grande desafio: a topografia do terreno trazia um desnível acentuado entre a cota da casa e os pontos do terreno a partir dos quais era possível enquadrá-la. Além disso, em boa parte do dia, essas vistas incluíam um ofuscante sol em contraluz. Estas condicionantes definiram os horários, luzes e contrastes retratados.